Les histoires derrière mes tableaux | KOJO Art
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Un tableau commence rarement chez moi par un plan complet. Parfois, une combinaison de couleurs reste dans ma tête pendant des jours. Parfois, c'est un espace, une conversation, une ville ou un sentiment qui n'a pas encore de forme. Ce n'est qu'à l'atelier que cela prend lentement corps. J'essaie de ne pas illustrer cette première impression, mais de la traduire en couleur, en rythme, en composition et en couche sur couche.
KOJO Art est le nom de marque sous lequel je, Jordy Koumans, peins et vends. Depuis mon atelier à Carré, Tilburg, je crée des œuvres abstraites et figuratives. Dans ce blog, je vous emmène en coulisses : dans mon parcours d'artiste, mes matériaux, le rôle du calme et de l'espace négatif, et la manière dont je souhaite qu'une œuvre finisse par trouver sa place chez quelqu'un.
Un atelier à côté d'une piste
En plus de KOJO Art, je travaille 32 heures par semaine comme marketeur en ligne. Cette combinaison est parfois un casse-tête, mais aussi précieuse. Mon travail en dehors de l'atelier exige de la stratégie, des échéances et beaucoup de temps devant un écran. La peinture demande autre chose : de l'attention, de la présence physique, de laisser place au doute et d'avoir la patience de regarder une œuvre plus longtemps sans vouloir immédiatement une réponse.
Mon atelier se trouve à Carré, à Tilburg. En général, j'y suis le mercredi, souvent un autre soir de la semaine et régulièrement le week-end. Je n'y suis donc pas tous les jours, mais c'est précisément pour cette raison que ces heures sont importantes. Dès que je pénètre dans le studio, j'essaie de ne pas produire immédiatement. D'abord, je regarde le travail qui est déjà là, je prépare les matériaux et je me donne l'espace nécessaire pour me remettre dans le rythme de la peinture.
La peinture est pour moi un contrepoids. Tout n'a pas besoin d'être efficace, fini ou directement explicable. À l'atelier, une idée peut d'abord être maladroite, brute ou indécise.
Où tout a commencé
Enfant, je peignais déjà, mais je voulais surtout voir rapidement des résultats. Pendant la période de la COVID, j'ai de nouveau trouvé du temps pour cela. Le monde est devenu plus petit et plus silencieux, et j'ai recommencé à expérimenter avec la peinture acrylique. Avec un ancien colocataire, j'ai acheté un kit de peinture et j'ai simplement commencé. Sans grandes attentes, mais avec beaucoup de curiosité.
Ce début simple s'est transformé en une pratique sérieuse. J'ai suivi des cours de peinture avec Annelies van Biesbergen et j'ai appris en plus en regardant beaucoup, en lisant et surtout en créant beaucoup. Toutes les expériences ne se sont pas transformées en bons tableaux. Ce sont précisément les œuvres qui n'ont pas marché qui m'ont appris quelque chose sur la couleur, le matériau et ma propre tendance à vouloir aller trop vite.
Je crois toujours que la plupart des apprentissages se trouvent dans l'action. On peut beaucoup comprendre de la composition ou de l'histoire de l'art, mais ce n'est qu'en face d'une toile que l'on découvre ce qu'une couleur fait réellement à côté d'une autre couleur. Et ce n'est que lorsqu'on repeint une couche par-dessus qu'on remarque quels choix étaient essentiels et lesquels ne l'étaient pas.
L'inspiration n'est pas seulement un moodboard
Je rassemble régulièrement des images, des couleurs, des matériaux et des ambiances dans un moodboard. Pinterest peut être un outil à cet égard, mais pour moi, l'inspiration ne se trouve pas uniquement en ligne. Je fais attention aux couleurs d'une rue après la pluie, au rythme de l'architecture, à une combinaison inattendue dans un intérieur ou à l'ambiance qu'une musique peut évoquer. Les conversations et les souvenirs peuvent également se fixer plus tard dans une œuvre.
L'histoire de l'art joue aussi un rôle là-dedans. J'aime regarder comment d'autres artistes utilisent la lumière, le contraste, la superposition et l'émotion. Non pas pour copier quelque chose, mais pour apprendre à mieux voir. Un tableau qui me touche le fait souvent parce qu'il a construit son propre monde. C'est ce que j'essaie aussi de faire : créer une œuvre qui n'explique pas tout, mais qui évoque quelque chose.
Le rôle de l'intuition
Travailler de manière intuitive ne signifie pas que tout est aléatoire. Je prends constamment des décisions. Quelle couleur aura de l'espace ? Où la tension doit-elle naître ? Une surface est-elle trop lourde, ou a-t-elle encore besoin de quelque chose ? L'intuition est pour moi la capacité de sentir pendant ce processus quand un choix est juste, même si je ne peux pas encore le justifier entièrement de manière rationnelle.
Parfois, une œuvre commence par une idée claire. D'autres jours, je laisse les premières couches déterminer où elle va. Cette alternance garde le travail vivant. Si je tout planifie à l'avance, la surprise disparaît. Si je n'ai aucun point d'appui, le travail peut perdre sa direction. Chercher cet équilibre est une grande partie de mon processus.
De la première couche à une œuvre qui reste en tête
Je travaille avec de la peinture acrylique, de la peinture à l'huile et des pastels à l'huile. Chaque matériau a son propre rythme et son propre caractère. La peinture acrylique me donne de la rapidité et la possibilité de construire directement. La peinture à l'huile apporte de la profondeur et une autre douceur de couleur. Le pastel à l'huile peut ajouter une ligne, un accent ou au contraire un geste plus brut. Je ne choisis pas toujours le même matériau à l'avance, mais je regarde ce dont une œuvre a besoin.
Souvent, je commence avec une palette limitée. Cela aide à donner une cohérence à un tableau. Ensuite, je construis, je déplace les formes, je laisse des parties visibles et je peins à nouveau par-dessus d'autres morceaux. Sous la couche supérieure se trouve parfois une image complètement différente. Cette histoire appartient à l'œuvre, même lorsque vous ne pouvez pas la voir littéralement.
Une partie difficile est de savoir quand je dois m'arrêter. Travailler trop longtemps peut rendre un tableau plat ou enlever l'énergie initiale. C'est pourquoi je mets régulièrement une œuvre de côté, je la regarde à nouveau plus tard et j'essaie de ne pas juger uniquement si elle est techniquement finie. La question plus importante est : l'image tient-elle debout par elle-même ?
L'espace est aussi un matériau
Dans mon travail, le concept japonais de Ma (間), l'espace entre les choses, revient régulièrement. Il s'agit de la valeur de ce que vous ne remplissez pas. Une surface calme peut faire parler une couleur plus fort. Un vide entre les formes peut susciter autant de tension qu'un détail chargé.
Cette idée correspond à la manière dont je regarde l'art dans un intérieur. Un tableau n'a pas besoin de tout reprendre dans un espace. Parfois, il fonctionne justement parce qu'il forme un moment de calme. Il vous fait faire une pause dans votre regard, avant de continuer à regarder.
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Abstrait et figuratif, sans frontière fixe
Mon travail se déplace entre des éléments abstraits et figuratifs. Dans une œuvre abstraite, la couleur ou la composition peut jouer le rôle principal, sans qu'un sujet reconnaissable ne soit nécessaire. Dans une œuvre figurative, il y a plus de point d'appui dans un visage, un corps ou une forme, mais même là, il ne s'agit pas seulement de ressemblance pour moi. Je suis intéressé par ce que la couleur, la déformation et le contraste font à l'émotion d'une image.
Ces deux directions ne s'excluent pas. Dans les deux, je cherche les mêmes choses : tension et calme, superposition, une composition qui continue de fonctionner et une image qui n'est pas complètement épuisée après un seul regard. Une œuvre peut susciter des questions. Elle n'a pas toujours besoin de donner une réponse unique.
Tableaux originaux : une œuvre qui n'existe qu'une seule fois
Un tableau original est unique. Il porte l'histoire visible et invisible du processus de création : la première couche, une correction, une trace de la spatule, un moment où j'ai décidé de ne pas effacer quelque chose. Celui qui choisit un original n'amène pas une image chez soi, mais une œuvre physique qui a été construite à la main.
Je crée des œuvres originales en peinture acrylique et à l'huile. L'échelle, les couleurs et les matériaux diffèrent par œuvre. C'est pourquoi il est bon de ne pas seulement regarder une photo de produit, mais aussi de penser où un tableau se trouvera dans votre maison et quel rôle vous voulez lui donner. Doit-il être un point d'ancrage calme, un accent de couleur ou justement l'œuvre que vous regarderez à nouveau chaque fois ?
Comment choisir un original ?
Ne commencez pas par la question de savoir si un tableau s'adapte exactement au canapé. Regardez d'abord le sentiment qu'il évoque. Une œuvre qui vous attire en continu peut justement devenir beaucoup plus forte dans un intérieur grâce à un contraste subtil. Ensuite, le format, l'incidence de la lumière et l'espace autour de l'œuvre sont importants. Une œuvre plus grande a besoin d'espace pour respirer, littéralement et figurativement. Une œuvre plus petite peut fonctionner magnifiquement dans une série ou dans un endroit où vous vous approchez.
Vous avez un doute sur un format ou un emplacement ? N'hésitez pas à me contacter via la page de contact. Je serai ravi de réfléchir avec vous à partir de l'œuvre et de votre espace.
Reproduction d'art : une autre manière de collectionner mon travail
En plus des originaux, il y a des reproductions d'art de mon travail. Une reproduction d'art est une manière accessible de choisir une image qui vous parle, par exemple pour un espace plus petit, un mur d'art en croissance ou comme cadeau. Ce reste mon langage visuel, mais dans une autre forme et à un autre moment de votre collection.
Un original et une reproduction n'ont pas besoin de rivaliser l'un avec l'autre. Ils répondent à des souhaits différents. Parfois, vous voulez l'objet unique et superposé au mur. Parfois, vous voulez justement faire revenir une œuvre sur plusieurs endroits, ou commencer par un format plus petit. Le plus important est de choisir une image avec laquelle vous aimez vivre.
Affordable Art. : original pour max. 50 €
Pour ceux qui recherchent une œuvre petite et unique, il y a la collection Affordable Art.. Cette collection se compose d'œuvres originales, peintes à la main en peinture acrylique pour max. 50 €. Pas de reproductions, mais de petites œuvres d'art qui ont chacune leur propre caractère.
Affordable Art. est délibérément petit en prix, pas en signification. C'est une belle première étape pour collectionner des œuvres originales, un cadeau personnel ou un complément à un mur d'art existant.
Print Club., Snail Mail et la valeur du courrier
L'art n'a pas besoin d'entrer uniquement par un grand colis ou un mur de galerie blanc. Avec Print Club. et Snail Mail, je veux faire de la place pour quelque chose de petit, tangible et personnel. Une enveloppe dans la boîte aux lettres est un autre genre de moment qu'une notification sur votre téléphone. Vous la prenez en main, vous l'ouvrez et vous prenez le temps.
Print Club. est destiné aux personnes qui veulent construire une collection personnelle de manière accessible. Snail Mail tourne autour du charme du vrai courrier et d'un petit moment d'art dans la vie quotidienne. Regardez dans la boutique en ligne ce qui est disponible en ce moment.
📬 L'art qui arrive chez vous
Que vous choisissiez un original, une reproduction d'art ou un courrier de ma part, j'emballe chaque commande avec attention et j'expédie dans le monde entier depuis Tilburg.
L'art à la maison : donnez le temps à une œuvre
Un tableau n'a pas besoin de sembler complètement familier dès le premier jour. En fait, je trouve ça beau quand une œuvre montre quelque chose de différent au fil du temps. La lumière du matin peut changer une couleur, un autre endroit dans la maison peut faire fonctionner la composition différemment et votre propre attention se déplace avec.
C'est pourquoi je conseille toujours de ne pas voir l'art uniquement comme de la décoration. Ne choisissez pas purement sur une tendance ou parce qu'une œuvre a par hasard exactement la même teinte qu'un coussin. Choisissez quelque chose pour lequel vous restez curieux. L'art peut être beau, mais il peut aussi vous faire vous arrêter un instant.
Donnez à l'œuvre de l'espace chez vous. Accrochez-la dans un endroit où vous passez régulièrement ou où vous pouvez vous asseoir calmement devant. Regardez comment elle réagit à la pièce et à la lumière. Un tableau devient vraiment une partie de votre maison lorsqu'il peut bouger avec votre vie quotidienne.
Questions fréquentes
Où travaillez-vous en tant qu'artiste ?
Je travaille depuis mon atelier à Carré, Tilburg. En plus de KOJO Art, je travaille 32 heures par semaine comme marketeur en ligne.
Quels matériaux utilisez-vous ?
Je travaille avec de la peinture acrylique, de la peinture à l'huile et des pastels à l'huile. Je crée mes tableaux originaux en peinture acrylique et à l'huile.
Quelle est la différence entre un original et une reproduction d'art ?
Un original est une œuvre unique, peinte à la main. Une reproduction d'art est une autre, accessible manière de collectionner mon langage visuel, par exemple pour un format plus petit ou une collection d'art en croissance.
Qu'est-ce qu'Affordable Art. ?
Affordable Art. se compose d'œuvres originales, peintes à la main en peinture acrylique pour max. 50 €.
Expédiez-vous dans le monde entier ?
Oui, j'expédie dans le monde entier depuis Tilburg. Pour des questions sur une œuvre ou l'expédition, vous pouvez prendre contact via la page de contact.
Puis-je obtenir des conseils sur une œuvre dans mon intérieur ?
Oui. N'hésitez pas à m'envoyer un message via la page de contact avec votre question, une photo de l'espace et éventuellement les dimensions du mur. Alors je réfléchirai avec vous.
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À propos de KOJO Art
KOJO Art est le nom de marque sous lequel je, Jordy Koumans, peins et vends. Depuis mon atelier à Carré, Tilburg, je crée des œuvres abstraites et figuratives. Mon travail est disponible comme tableau original et comme reproduction d'art. J'expédie dans le monde entier.
