Trois œuvres, trois techniques — comment la méthode détermine l’énergie d’un tableau
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Parfois, je peins avec contrôle. Parfois, je lâche délibérément ce contrôle. Et parfois, je travaille si vite qu’il n’y a aucune place pour le doute. Les trois œuvres que j’ai achevées la semaine dernière sont chacune le résultat d’une approche différente, et ce sont précisément ces différences qui révèlent à quel point la technique picturale et l’énergie sont indissociables.
Si vous êtes à la recherche d’un tableau original d’un artiste néerlandais, les trois œuvres sont immédiatement disponibles. Mais d’abord : l’histoire derrière la technique.
Qu’est-ce que la technique picturale, au juste ?
La technique est bien plus qu’une méthode. C’est une façon de penser. Chaque technique picturale impose des exigences différentes à l’artiste et confère à l’œuvre une énergie différente. Un tableau à l’alla prima respire la rapidité et la détermination. Un acrylic pour respire l’abandon et le hasard. Une œuvre réalisée avec de la pâte de texture respire la patience et la superposition.
Cette énergie est visible dans le résultat final, même si vous ne connaissez pas la technique elle-même. Vous la ressentez dans le coup de pinceau, dans la surface, dans la façon dont la peinture se comporte sur la toile. C’est pourquoi la technique n’est jamais indépendante de l’expression : c’est le langage dans lequel le tableau s’exprime.
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Planum in Spatio — quand la gravité peint
Acrylic pour | 58 x 78 cm | bleu marine, vieux rose, bordeaux, crème
Dans Planum in Spatio, mon rôle était celui d’un metteur en scène, et non d’un exécutant. J’ai choisi les couleurs, déterminé les proportions et mis la toile en mouvement. Mais c’est la gravité qui a créé la composition.
Qu’est-ce que l’acrylic pouring ?
L’acrylic pouring est une technique picturale qui consiste à verser et à incliner de la peinture acrylique liquide sur la toile. La peinture s’écoule, se mélange et fige à des endroits que l’on ne peut jamais entièrement prévoir. En faisant varier la viscosité de la peinture et en combinant différentes couleurs, des motifs organiques se forment, impossibles à reproduire au pinceau.
La technique puise ses racines dans l’expressionnisme abstrait, notamment dans l’œuvre d’artistes comme Helen Frankenthaler, qui, dans les années 1950, a commencé à verser de la peinture diluée sur des toiles non préparées. Ce qui rendait son travail révolutionnaire, c’était précisément cela : la volonté de lâcher prise et de laisser le matériau suivre sa propre voie.
Le bloc crème qui apparaît comme point focal dans Planum in Spatio n’est pas né d’un coup de pinceau délibéré. Il s’est formé tandis que je faisais tourner la toile. Ce moment, où l’on voit l’œuvre se créer d’elle-même, est précisément la raison pour laquelle je continue d’explorer cette technique.
58 x 78 cm, peinture acrylique sur toile, signée.
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Vous trouverez d’autres peintures originales abstraites dans la collection Abstract. | Original.
The Hills that Witnessed — alla prima, en une seule séance
Peinture à l’huile | 24 x 30 cm | figuratif, expressif
The Hills that Witnessed est à l’opposé du lâcher-prise. C’est le contrôle sous la pression du temps.
Qu’est-ce que la peinture alla prima ?
Alla prima est un terme italien qui signifie littéralement « du premier coup ». Cette technique consiste à achever un tableau en une seule séance, tant que la peinture est encore humide. Il n’y a pas le temps d’attendre, de corriger ou de recommencer. Chaque coup de pinceau compte et chaque décision est définitive.
La technique remonte aux maîtres flamands du XVIIe siècle. Des peintres comme Frans Hals utilisaient l’alla prima pour créer des portraits qui dégageaient une vivacité et une spontanéité impossibles à atteindre avec une peinture en couches. Plus tard, les impressionnistes en ont fait leur marque de fabrique : Monet, Renoir et Sargent peignaient dehors, rapidement, d’un seul trait, afin de saisir la lumière et l’atmosphère avant qu’elles ne changent.
La peinture à l’huile possède une propriété particulière en alla prima : elle reste travaillable pendant des heures. Cela signifie que les couleurs peuvent se fondre les unes dans les autres, que l’on peut estomper les contours et que l’œuvre acquiert une qualité fluide et organique que l’acrylique ne permet pas.
24 x 30 cm, peinture à l’huile sur toile, signée.
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Neon Tide — la texture comme langage
Peinture acrylique + pâte de texture | 20 x 20 cm | paysage marin, expressif
Dans Neon Tide, la question n’était pas de savoir comment je voulais peindre la mer, mais ce que je voulais ressentir en le faisant.
Qu’est-ce que la pâte de texture et pourquoi l’utilise-t-elle ?
La pâte de texture est une substance épaisse et pâteuse que l’on ajoute à la peinture acrylique ou que l’on applique séparément pour créer du relief. Elle durcit et conserve sa forme, ce qui permet de créer un tableau qui n’est pas seulement visuel, mais aussi tangible. On peut la lisser, la structurer à l’aide d’une spatule ou y tracer des motifs.
Dans la peinture abstraite et expressive, la pâte de texture est utilisée pour donner à l’œuvre une présence physique. Un tableau en relief réagit différemment à la lumière qu’une surface lisse : les ombres se déplacent selon l’incidence de la lumière, et l’œuvre se transforme au fil de la journée. Cela la rend vivante d’une manière qu’une reproduction ne pourra jamais égaler.
Le ciel jaune fluo dans Neon Tide n’est pas un choix réaliste. C’est un choix émotionnel. Les tempêtes ne sont pas grises, elles sont électriques. La pâte de texture que j’ai utilisée pour le cadre donne à l’œuvre une présence physique que l’on ne peut que partiellement percevoir sur une photo. La surface a du relief, du poids, de la résistance.
20 x 20 cm, peinture acrylique et pâte de texture sur toile, signée.
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Trois techniques, une seule signature
Ce qui me frappe lorsque je vois les trois œuvres côte à côte : elles sont totalement différentes dans leur approche, mais reconnaissables comme étant les miennes. Les choix de couleurs, l’énergie, la volonté de laisser advenir quelque chose d’inattendu.
La technique n’est pas une fin en soi. C’est un moyen de dire ce que l’on ne peut pas dire autrement. Planum in Spatio dit : lâche prise. The Hills that Witnessed dit : sois présent. Neon Tide dit : ressens-le.
Ce sont trois messages différents. Mais ils viennent tous de la même source.
Si vous souhaitez acheter un tableau original d’un artiste néerlandais, je vous invite à regarder au-delà. Dans la collection abstraite, vous trouverez des œuvres qui jouent avec la couleur, la composition et le hasard. Dans la collection figurative, vous trouverez des œuvres qui partent de la figure humaine et de paysages expressifs. Toutes les œuvres sont uniques, signées et expédiées dans le monde entier.
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Questions fréquentes
Ces œuvres sont-elles uniques ?
Oui. Les trois sont des œuvres originales peintes à la main. Il n’existe aucun second exemplaire.
Quelle est la différence entre l’acrylic pouring, l’alla prima et la pâte de texture ?
L’acrylic pouring utilise de la peinture liquide et la gravité, l’alla prima consiste à peindre en une seule séance sur peinture humide, et la pâte de texture ajoute un relief physique à la surface. Chaque technique confère à l’œuvre une énergie différente et une autre façon de la regarder.
Puis-je réserver une œuvre ?
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Oui, j’expédie dans le monde entier. Toutes les œuvres sont soigneusement emballées et expédiées avec assurance.
Quelle est la différence entre un tableau original et une reproduction ?
L’original est l’œuvre unique peinte à la main. Une reproduction est une reproduction de haute qualité sur papier. Les deux sont signées, mais un original possède une texture, une profondeur et une présence physique qu’une reproduction ne peut égaler.
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KOJO Art est le nom sous lequel je, Jordy Koumans, peins et vends mes œuvres. Depuis mon atelier de Tilburg, je crée des peintures originales et des reproductions qui utilisent la couleur, la texture et la composition pour dire ce que les mots ne peuvent pas exprimer. Toutes les œuvres sont signées et expédiées dans le monde entier.
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