Utsuroi: abstrakte Gemälde mit japanischer Inspiration

LICHT IM ÜBERGANG · JORDY KOUMANS

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Es gibt einen Moment, in dem der Abendhimmel noch warm ist, der Tag aber eigentlich schon vorbei ist.

Das Rosa verschwindet nicht plötzlich. Zuerst wird es matter. Dann schiebt sich etwas Graues hindurch. Die Dunkelheit rückt näher, während am Horizont noch ein letzter Lichtstreifen hängen bleibt.

Man kann es ansehen und denken: ein Sonnenuntergang. Aber was mich als Maler beschäftigt, ist gerade dieser kleine Moment darin. Der Übergang. Der Augenblick, in dem eine Farbe nicht mehr ganz das ist, was sie gerade noch war.

Darum geht es in meiner neuen Kollektion Utsuroi | Licht im Übergang.

Ich bin Jordy Koumans, der Künstler hinter KOJO Art. In meinem Atelier im Carré in Tilburg übersetze ich in dieser Kollektion meine Faszination für Japan und die Natur in originale abstrakte Acrylbilder auf Paneel. Keine gemalten Landschaften, sondern Farbflächen, die etwas von Morgendämmerung, windstillem Wasser, Schatten und dem letzten Licht heraufbeschwören.

Dazu gibt es noch einen wichtigen Einfluss: A Dictionary of Color Combinations von Sanzo Wada. Seine Farbkombinationen haben eine wesentliche Rolle im Prozess hinter Utsuroi gespielt. Die Natur gibt mir einen Moment zum Vorstellen; Wada hilft mir, genauer hinzusehen auf die Farben, mit denen ich diesen Moment heraufbeschwören kann.

Was bedeutet Utsuroi für meine Gemälde?

Utsuroi (移ろい) bezieht sich auf Veränderung und Übergang. Für mich ist es ein passender Name für eine Kollektion, die sich um das dreht, was sich langsam verschiebt.

Licht, das weicher wird. Farben, die aufeinander zugehen. Eine Landschaft, die unter einem dünnen Nebel ihre Schärfe verliert.

Das sind keine großen Ereignisse. Man kann sie leicht verpassen. Doch gerade diese Momente beschäftigen mich. Nicht nur wegen ihrer Schönheit, sondern weil sie sich nie ganz festhalten lassen. Sobald man denkt, man sieht genau, was passiert, hat es sich schon wieder verändert.

Mit Farbe versuche ich, einen solchen Übergang nicht wörtlich stillzustehen. Ich suche nach einer Komposition, in der etwas von dieser Bewegung spürbar bleibt. Eine klare Fläche kann Halt geben. Darin darf die Farbe gerade zögern.

Von japanischer Natur zu abstrakter Kunst

Mein Interesse an Japan kommt in dieser Kollektion mit meiner Liebe zu Farbe und Komposition zusammen. Auch meine Faszination für Ukiyo-e, die japanische Druckkunst, schwingt mit. Nicht dadurch, dass ich Drucke nachmale, sondern in der Aufmerksamkeit für Flächenaufteilung, Bildausschnitt und die Atmosphäre eines flüchtigen Moments.

Wie viel braucht man, um eine Landschaft heraufzubeschwören? Muss man einen Baum malen, um Geborgenheit spüren zu lassen? Braucht Wasser ein erkennbares Ufer? Kann man die Wärme eines Morgens einfangen, ohne die Sonne darzustellen?

In Utsuroi lasse ich viele erkennbare Details weg. Was übrig bleibt, ist das Verhältnis zwischen den Farben. Eine dunkle Außenfläche um ein helleres Zentrum. Ein warmer Ton, der langsam kühler wird. Eine Grenze, die an einer Stelle deutlich ist und an einer anderen fast verschwindet.

Für mich beginnt dort der Raum der abstrakten Kunst: Ich gebe eine Richtung vor, aber nicht das vollständige Bild. Was du darin siehst, muss nicht genau dasselbe sein wie das, was ich hineingelegt habe.

Ich male nicht, wie eine Landschaft aussieht. Ich suche nach dem, was davon übrig bleibt, wenn du deine Augen schließt.

Sanzo Wada: von Farbkombination zu Gefühl

Neben meiner Faszination für japanische Natur ist A Dictionary of Color Combinations von Sanzo Wada eine wichtige Quelle für Utsuroi. Das Buch hilft mir, nicht nur auf eine einzelne Farbe zu schauen, sondern vor allem darauf, was passiert, wenn Farben aufeinandertreffen.

Ein Rosaton erzählt nicht überall dieselbe Geschichte. Neben einer dunklen Farbe kann er aufhellen. Zwischen wärmeren Erdtönen kann derselbe Ton gerade weicher werden. Darin liegt für mich der Wert von Wadas Farbkombinationen: Sie laden dazu ein, über die Farben hinauszuschauen, die ich von selbst zusammen suchen würde.

In Utsuroi kommen diese Farbverhältnisse mit meinen eigenen Naturassoziationen und Kompositionen zusammen. Eine Palette auf Papier ist noch kein Gemälde. Auf einem Paneel verändern sich die Verhältnisse: Eine Farbe wird zu einer großen Außenfläche, eine andere bekommt Raum in der Mitte, und dazwischen entstehen Übergänge. Die Farbe, der Maßstab und die umgebenden Farben bestimmen mit, was letztendlich passiert.

Wenn du die Werke unten betrachtest, achte einmal auf dieses Aufeinandertreffen von Außenfläche und Mitte. Bei Asayake umgibt Korallenrot die weicheren Nuancen. Bei Kokage steht Olivgrün neben wärmeren rosa-braunen Tönen. Bei Zanshō macht eine tief blaugrüne Außenfläche das helle Zentrum sichtbar. So kannst du auf die Farbverhältnisse schauen, die für mich, auch durch Wada, so wichtig geworden sind.

In Von Buch zur Leinwand: Wie ich A Dictionary of Color Combinations in meiner Arbeit verwende zeige ich ausführlicher, wie ich von einer Farbpalette zu einem eigenen Gemälde komme. Möchtest du das Buch zuerst kennenlernen? Dann lies meinen kompletten Leitfaden über A Dictionary of Color Combinations von Sanzo Wada.

Die Natur gibt mir eine Atmosphäre. Sanzo Wada hilft mir, die Möglichkeiten der Farbe zu erforschen. Im Gemälde kommen diese beiden zusammen.

Von Inspiration zum Gemälde: die vollständige Utsuroi-Kollektion

Unten nehme ich dich mit auf eine Reise durch alle zwölf Werke. Bei drei Gemälden zeige ich auch ein konzeptionelles Inspirationsbild: links die Atmosphäre, die ich suche, rechts das Gemälde. Dazwischen der Moment, den ich mitnehmen möchte. Die anderen Werke schließen sich mit ihrem eigenen Bild und ihrer eigenen Geschichte an.

Shinonome und Asayake: zwei Momente des Morgens

Bei Shinonome ist die Nacht noch präsent. Gedämpftes Violett, Indigo und kühle Blautöne bewegen sich nebeneinander. Etwas verändert sich, aber behutsam. Asayake bringt eine andere Energie: Korallenrot, Altrosa und gedämpftes Terrakotta verleihen dem ersten Licht Wärme. Nebeneinander erzählen diese Werke für mich etwas über den Unterschied zwischen dem Vorahn einer neuen Zeit und der Glut, die darauf folgt.

Kokage und Komorebi: unter dem Blätterdach

Manchmal bekommt Licht gerade Bedeutung, weil es aufgehalten wird. Komorebi dreht sich um das gefilterte Licht, das durch Blätter fällt. Kokage sucht die Geborgenheit darunter. Das eine geht um das, was durch das Blätterdach kommt. Das andere um die Ruhe, die darunter entsteht. Zwei Werke, die in meinem Kopf zusammengehören, ohne dasselbe zu erzählen.

Nagi, Kasumi und Shigure: wenn Grenzen weicher werden

Bei Nagi denke ich an Wasser, nachdem der Wind sich gelegt hat. Die Oberfläche wird ruhiger, aber sie ist nicht leer. Blau, Teal und gedämpfte Grüntöne lassen etwas von Tiefe und Spiegelung vermuten.

Bei Kasumi verschiebt sich die Aufmerksamkeit auf Nebel. Graugrün und wärmere Olivtöne bringen Ferne und Nähe näher zusammen. Die Farben bleiben präsent, scheinen aber weniger nachdrücklich zu werden.

Shigure hat einen dunkleren Charakter. Aubergine, Mauve und warme Erdtöne verweisen auf einen kurzen Regenschauer im späten Herbst oder frühen Winter. Keine gemalten Regentropfen. Ich suche nach dem Moment, in dem Regen die Farben einer Landschaft verändert. Alles wird etwas schwerer, dichter, stiller.

Chisō und Iwahada: Veränderung hat auch ein anderes Tempo

Nicht jede Veränderung ist in wenigen Minuten zu sehen. Manche Veränderungen lassen sich erst in Schichten lesen. Chisō bezieht sich auf Erdschichten. Warme rosa-braune Töne und ein helleres Zentrum rufen für mich etwas von Ton, Lehm und der Tiefe unter einer Oberfläche hervor.

Bei Iwahada steht die Haut eines Felsens im Mittelpunkt. Rostbraun umgibt weichere rosa und terrakottafarbene Nuancen. Stein scheint unveränderlich, aber eine verwitterte Oberfläche zeigt gerade, wie viel passiert ist. Nicht das Licht, das über eine Landschaft gleitet, sondern die Landschaft selbst, die sich langsam verändert.

Yūyake, Zanshō und Yoru no Yuki: das letzte Licht

Yūyake sucht den warmen Schimmer des Abendhimmels. Rostorange trifft auf Mauve und Altrosa. Bei Zanshō rückt die Dunkelheit näher: Eine tief blaugrüne Außenfläche umschließt eine wärmere, hellere Mitte. Das letzte Licht wird durch die Tiefe um es herum sichtbar.

Yoru no Yuki führt die Kollektion in die Nacht. Holzkohleschwarz, warmes Grau und gebrochenes Weiß erinnern an Schnee, der noch sanft aufleuchtet, wenn die Umgebung dunkel geworden ist. Ich finde es bemerkenswert, wie wenig Licht manchmal nötig ist, um dennoch etwas zu erkennen.

Warum ich auch den Raum hinter dem Gemälde mitbemale

Utsuroi geht nicht nur darum, was auf der Vorderseite geschieht. Ich male die Werke mit Acrylfarbe auf Paneelen. Die Farbe trage ich Schicht für Schicht auf, mit Blick für sanfte Übergänge und die subtile Textur der Oberfläche.

Auf der Rückseite befindet sich ein hölzerner Abstandshalter von drei Zentimetern. Dadurch hängt das Paneel parallel zur Wand, mit Raum dahinter. Auch diese Rückseite erhält Farbe: Preußischblau.

Der Abstand zur Wand und die dunkle Schattenwirkung verleihen der Präsentation mehr Räumlichkeit. Das Gemälde scheint sich ein wenig von der Wand zu lösen. Für mich gehört das zum Werk. Die Komposition endet nicht ganz an der Kante des Paneels. Auch der Schatten darum herum spielt eine Rolle.

Welches Gemälde passt zu deinem Raum?

Ich würde nicht mit der Frage beginnen, welche Farbe genau zu deinem Sofa passt. Beginne mit dem Werk, das dich immer wieder dazu verleitet, zurückzublicken.

Vielleicht zieht dich die Kühle von Shinonome an. Vielleicht gerade das warme Rot von Asayake, die Geborgenheit von Kokage oder der Kontrast von Zanshō. Schau dir dann an, wo es hängen könnte. Miss den Wandbereich und markiere das Format einmal mit Malerkrepp. Die länglichen Werke sind 40 × 20,5 cm groß; die quadratischen Gemälde messen 40 × 40 cm.

Gib dem Werk auch etwas Raum um sich herum. Nicht, weil eine Wand leer bleiben muss, sondern damit du den Farben die Aufmerksamkeit schenken kannst, für die du das Gemälde ausgewählt hast. Du bist dir unsicher? Du kannst mir ein Foto deines Raums schicken. Ich berate dich gerne persönlich.

Häufig gestellte Fragen zu Utsuroi

Welche Rolle spielt Sanzo Wada in Utsuroi?

A Dictionary of Color Combinations von Sanzo Wada ist eine wichtige Inspirationsquelle für meine Farbforschung in dieser Kollektion. Seine Farbkombinationen helfen mir, die Beziehungen zwischen Farben zu erforschen. Ich übersetze diese Inspiration in meine eigenen Kompositionen, Farbverläufe und Assoziationen mit der Natur.

Sind die Utsuroi-Gemälde Originalwerke oder Drucke?

Es sind einzigartige, handgemalte Originale mit Acrylfarbe auf Paneelen. Ich signiere jedes Werk und liefere es mit einem Echtheitszertifikat.

Sind es japanische Gemälde?

Ich fertige die Werke selbst in Tilburg an. Meine Faszination für Japan, die japanische Natur, Ukiyo-e und die Farbkombinationen von Sanzo Wada ist eine Inspirationsquelle. Utsuroi ist meine eigene abstrakte Übersetzung davon.

Wie viel kosten die Gemälde?

Die länglichen Werke von 40 × 20,5 cm kosten 175 €. Die quadratischen Werke von 40 × 40 cm kosten 250 €. Auf der Kollektionsseite findest du die aktuelle Verfügbarkeit pro Gemälde.

Kann ich ein Gemälde abholen oder liefern lassen?

Du kannst dein Gemälde persönlich in meinem Atelier in Carré in Tilburg abholen. Ich versende auch weltweit, sorgfältig verpackt und versichert.

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In Von Buch zur Leinwand nehme ich dich weiter mit in meinen Malprozess mit Sanzo Wadas Farbkombinationen. Mein vollständiger Ratgeber zu A Dictionary of Color Combinations gibt mehr Hintergrund zum Buch. In was A Dictionary of Color Combinations mich über gedämpfte Farben lehrte liest du weiter über mein Interesse an zurückhaltenden Farbpaletten.

Möchtest du von dieser Geschichte aus weiter über meine Gemälde nachdenken? Entdecke meine Original-Abstrakten Gemälde oder sieh dir an, wie ich mit fließenden Farbübergängen arbeite in Ombre.