Warum ich in dünnen Schichten male: die Farben, die man nicht sofort sieht

01 / DER ANFANG

Eine Farbpalette ist ein Ausgangspunkt, kein Endergebnis

Ein Gemälde kann mit einem Verhältnis von Farben beginnen. Ein gedämpftes Grün neben einem warmen Rotton. Helles Elfenbein in der Nähe von Schwarz. Eine Kombination, die meine Aufmerksamkeit fesselt, noch bevor Farbe auf dem Paneel ist.

Für Utsuroi gab A Dictionary of Color Combinations von Sanzo Wada mir solche Ausgangspunkte. Aber Farben auszuwählen ist nicht dasselbe wie ein Gemälde zu malen. Auf einer Buchseite stehen sie in übersichtlichen Flächen nebeneinander. Beim Malen gebe ich ihnen einen Platz, bringe ich sie an und füge sie zusammen.

Dort beginnt meine eigene Übersetzung. Eine Farbe kann zu einer großen Außenfläche werden. Eine andere bekommt Raum in der Mitte. Und es kommen Farben hinzu, die später nicht mehr als einzelner Farbton benannt werden können.

In meiner Geschichte über Sanzo Wada und Utsuroi zeige ich die Paletten neben den Gemälden. Hier geht es um das, was dazwischen geschieht: die Arbeit auf dem Paneel.

02 / MEINE MATERIALIEN

Mit welchen Materialien ich male

Meine Arbeitsweise hängt eng mit den Materialien zusammen, die ich verwende. Für die geometrischen Werke in dieser Geschichte sind das drei Dinge: ein Paneel als Untergrund, Acrylfarbe und viel Abklebeband. Zusammen bestimmen sie, wie ein Gemälde Schicht für Schicht entstehen kann.

Paneel als Untergrund

Ich male diese Werke auf Paneelen. Ein stabiler, flacher Untergrund passt zu meiner Arbeitsweise: Ich kann darauf präzise abkleben, und die Kanten zwischen den Farbflächen bleiben klar. Auf der Rückseite bekommt das Paneel später noch einen Abstandshalter aus Holz, aber darüber liest du weiter unten mehr.

Acrylfarbe für viele dünne Schichten

Für meine Gemälde auf Paneelen verwende ich Acrylfarbe. Acrylfarbe trocknet relativ schnell, und das ist für mich essenziell. Jede Schicht muss trocken sein, bevor ich eine neue Farbe darüber setze oder das Klebeband wieder entferne. So kann ich weiter bauen, Schicht über Schicht, ohne dass die Farben ungewollt ineinander verlaufen.

Acrylfarbe ist außerdem mit Wasser verdünnbar. Dadurch eignet sie sich gut für dünne Schichten, in denen das, was darunter liegt, weiterhin am Endergebnis mitwirkt. Genau darum geht es bei meiner Arbeit: nicht um eine einzige dicke Farbschicht, sondern um einen Aufbau, in dem die darunterliegenden Farbtöne ihre Rolle behalten.

Ich arbeite nicht mit einer einzigen festen Marke. Ich verwende verschiedene Marken von Acrylfarbe, unter anderem Winsor & Newton, Amsterdam und Rembrandt. So kann ich aus einer breiten Palette von Farbtönen wählen und die Farben finden, die ich für ein Werk suche.

Abklebeband für die Geometrie

Das dritte Material, das du in fast jedem Werk wiederfindest, ist Abklebeband. Es ist so entscheidend für die Form meiner Gemälde, dass ich ihm hierfür ein eigenes Kapitel widme.

03 / FORM UND RAUM

Geometrisch arbeiten auf Paneelen

Ich arbeite geometrisch auf Paneelen. Die Komposition hat einen klaren Aufbau: Flächen, Grenzen und Verhältnisse. Diese Struktur gibt meinen Farben einen Platz.

Auf den Atelierbildern hier unten siehst du die Werke während des Entstehungsprozesses. Das violette Abklebeband macht die Begrenzung der Farbflächen sichtbar. Innerhalb dieser klaren Flächen entstehen gerade weiche Nuancen.

Im vollendeten Asayake siehst du zum Beispiel eine klare Außenfläche um ein weicheres Zentrum herum. Die Form ist klar, aber innerhalb dieser Form bleiben die Farben in Bewegung. Für mich müssen Geometrie und Weichheit sich nicht gegenseitig ausschließen.

Das vollendete Asayake ansehen →

Abklebeband gibt meinen Farben eine Grenze

Bei meiner geometrischen Arbeitsweise verwende ich viel Abklebeband. Damit begrenze ich Flächen und arbeite an der klaren Struktur des Gemäldes. Es ist ein praktisches Hilfsmittel, das eine wichtige Rolle dabei spielt, wie die Komposition Gestalt annimmt.

Das Klebeband hilft mir, klar zu machen, wo eine Fläche endet und wo eine andere beginnt. Innerhalb dieses abgegrenzten Raums kann ich gerade mit weicheren Übergängen arbeiten. Eine klare Kante und ein subtiler Farbverlauf erzählen nicht dasselbe, können sich aber gegenseitig verstärken.

Auf dem zweiten Atelierbild ziehe ich das violette Klebeband entlang einer Farbfläche ab. Das Klebeband macht Platz für die Kante, die während des Malens abgeschirmt war. Die Handarbeit hinter der Geometrie wird hier ganz konkret.

Was letztendlich ruhig und selbstverständlich aussieht, entsteht also nicht nur durch die Wahl einiger Farben. Auch das Abgrenzen und Aufbauen der Flächen gehört zur Arbeit.

04 / UNTER DER OBERFLÄCHE

Die Farben unter den Farben

Wenn du die Farben eines vollendeten Gemäldes benennen würdest, bekommst du nicht automatisch eine Liste aller Farben, die ich dafür verwendet habe. Das finde ich einen wichtigen Unterschied.

Meine Werke werden in vielen Schichten aufgebaut. Nicht nur mit den Farben, die du letztendlich siehst, sondern auch mit anderen Farben, die darunter liegen. Sie verschwinden vielleicht als erkennbare Fläche aus dem Blickfeld, sind damit aber nicht unwichtig geworden.

Diese darunterliegenden Farben verleihen den Werken für mich Tiefe und lassen sie leben. Was du an der Oberfläche siehst, ist das Ergebnis eines ganzen Aufbaus. Nicht eine einzelne Schicht, die die Geschichte für sich allein erzählt.

Ich muss nicht jede darunterliegende Farbe einzeln wiedersehen, um zu wissen, dass sie dazugehört. Das Werk ist auch aus diesen früheren Schichten entstanden. Deshalb kann eine einfache Aufzählung der sichtbaren Farben niemals ganz beschreiben, was auf dem Paneel geschieht ist.

Die Atelierbilder zeigen das Abkleben und die sichtbaren Farbflächen. Sie sind keine Übersicht aller einzelnen Unterschichten.

Viele dünne Schichten bilden ein Ganzes

Es geht mir nicht nur darum, welche Farben ich wähle, sondern auch darum, wie ich sie auftrage und zusammenfüge. Die Gemälde entstehen aus vielen dünnen Schichten. Jede Schicht ist Teil dessen, was das Ganze letztendlich wird.

Das ist etwas anderes, als ein Farbmuster zu vergrößern. Eine Palette zeigt eine Möglichkeit. In der Farbe bekommt diese Möglichkeit einen eigenen Aufbau. Die Farben liegen nebeneinander und übereinander, innerhalb der Geometrie, die ich auf dem Paneel anbringe.

Dieser Satz fasst für mich zusammen, warum der Entstehungsprozess wichtig ist. Der letzte Anblick ist nicht von dem zu trennen, was ihm vorausging. Auch das, was du nicht sofort siehst, trägt zum Charakter des Gemäldes bei.

Bei Utsuroi schließt das an den Übergang an, nach dem ich suche. Nicht nur der Übergang zwischen zwei sichtbaren Farben, sondern auch der Aufbau eines Werks, das Schicht für Schicht entsteht.

05 / AUCH DIE RÜCKSEITE GEHT MIT

Mein selbstgebautes Aufhängesystem: Raum hinter dem Paneel

Der Entstehungsprozess endet für mich nicht bei der Vorderseite. Für diese Paneelgemälde habe ich ein eigenes Aufhängesystem entwickelt. Auf der Rückseite befindet sich ein Abstandshalter aus Holz von 3 cm. Dieser hält das Paneel parallel zur Wand, mit Raum zwischen dem Gemälde und der Wand.

Dadurch scheint das Werk etwas von der Wand losgelöst. Der Raum dahinter verleiht der Präsentation einen schwebenden, räumlichen Charakter. Nicht nur die gemalten Flächen, sondern auch der Abstand zur Wand spielen dabei mit, wie du das Werk erlebst.

Preußischblau und Schatten

Auch diese Rückseite male ich: preußischblau. Zusammen mit dem Abstand zur Wand gehört die dunkle Schattenwirkung zur Präsentation des Werks. Die Komposition endet für mich nicht ganz am Außenrand des Paneels.

Es passt zu dem, was ich an der Vorderseite suche. Eine klare Form, aber kein flaches Bild. Die Schichten verleihen der Farbe Tiefe; der Raum hinter dem Gemälde verleiht dem Werk eine andere Präsenz an der Wand.

06 / LÄNGER SCHAUEN

Aus der Nähe siehst du ein anderes Gemälde

Aus der Ferne siehst du zuerst das Ganze. Das Verhältnis von hell zu dunkel. Eine Außenfläche um ein längliches Zentrum herum. Die Komposition, die das Werk zusammenhält.

Aus der Nähe kannst du deine Aufmerksamkeit verlagern. Nicht nur: Welche Farbe ist das? Sondern auch: Wo verändert sie sich? Welche Nuance liegt zwischen dem hellen und dem dunklen Teil?

In Yoru no Yuki kannst du zum Beispiel mit deinem Blick dem Übergang von hell zu dunkel folgen. Der sichtbare Übergang ist eine Einladung, länger zu schauen, keine vollständige Erklärung aller darunterliegenden Schichten.

Jenseits der obersten Schicht schauen

Du musst nicht wissen, welche Farbe als erste auf das Paneel kam, um ein Gemälde zu erleben. Und du musst nicht jede Schicht benennen können. Aber der Gedanke, dass mehr vorhanden ist, als du sofort siehst, kann eine andere Art des Sehens eröffnen.

Für mich ist ein vollendetes Werk keine Sammlung einzelner Farben. Es ist das, was geschieht, wenn die gewählten Farbtöne, die Geometrie und die vielen dünnen Schichten zusammenkommen.

Vielleicht ist das auch, wie ich hoffe, dass du es betrachtest: nicht nur eine Farbe, sondern alles, was darin zusammenkommt.

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Möchtest du weiter über die Inspiration hinter diesen Werken lesen? In Von Sanzo Wada zu Utsuroi stelle ich die Farbpaletten neben meine Bilder. Die Geschichte hinter der Kollektion liest du in Utsuroi: abstrakte Bilder mit japanischer Inspiration. Mehr über meine Farbforschung findest du in Von Buch zur Leinwand.